Misha
Bies Golas, Manu Blázquez, José Luis Cremades, Enrico della Torre, Antonio González,
Irene Grau, Luce, Èlia Llach, Álex Marco, Nico Munuera i / y Pau Orts.
Fotos:
Álex Marco
LENGUAJE ESFÉRICO
Ponferrada, 2016-Lugo, 2017
Josefa
Tolrà, Loreto Blanco, Lídia Fané, Èlia Llach, Ita Puig, Reme Remedios, Bea
Romarty i /y Gemma López.
Comissaria/
Comisaria: Pilar Bonet
Centro de Arte Dosmilvacas. Ponferrada, 2016
Bolígraf sobre paper / Bolígrafo sobre papel.
Políptic / Políptico.
2'50 x 0'70 m
RUIDO
Èlia Llach & Ian Waelder.
Ana Mas Projects, 2016
A partir de esta respuesta de Joan Miró a Lluís Permanyer a la pregunta acerca de sus compositores preferidos y que aparece en el libro 43 respostes catalanes al qüestionari Proust editado por Edicions Proa en 1967, uno se podría preguntar qué es lo que llevaría a Joan Miró a pensar en John Cage paseando por las calles de Barcelona.
Dándole unas vueltas a este asunto y, sobre todo, a la relación que mantuvo John Cage con el silencio y el ruido, vi que un amigo había compartido en su muro de facebook un vídeo que, sin saberlo, iba a ser muy revelador. Para mí. Se trataba del extracto de una entrevista a John Cage en el que el artista se refería al silencio. Es decir, a lo que yo entendía en oposición al ruido.
Nada nuevo. Ya sé. Nada original.
Al principio de aquella entrevista, John Cage decía que cuando escuchaba lo que se conoce como música le daba la impresión de que alguien le estaba hablando acerca de sus sentimientos, ideas, relaciones, etc. Sin embargo, cuando escuchaba el sonido del tráfico no le daba la impresión de que nadie le estuviera hablando de sí mismo sino que sentía que el sonido estaba actuando y que él amaba profundamente esta actividad. También decía que amaba el sonido por lo que era y que no necesitaba que fuera nada más. En otro momento de la grabación declaraba que la experiencia del sonido que prefería era, paradójicamente, la del silencio y que, para él, el silencio era poco menos que el sonido del tráfico. Como colofón de este pequeño extracto señalaba que, si al escuchar a Beethoven o a Mozart -o sea, lo que se conoce por música- uno percibía siempre lo mismo, al escuchar el silencio siempre descubría algo distinto.
A partir de la asociación entre el sonido del tráfico y el silencio como síntoma de esa actividad que John Cage ama profundamente y que lleva a Joan Miró a relacionarlos indefectiblemente, uno podría pensar que si un dibujo fuera a la música lo que un trazo al tráfico, el trazo vendría a ser como el registro de una acción y, como tal, siempre sonaríadistinto. En consecuencia, mientras que el dibujo nos hablaría de sentimientos, ideas, relaciones, etc. el trazo se limitaría a dejar constancia de lo que hubiera pasado.
Si lo que acabamos de decir podría ser tan discutible como aquella sentencia de John Cage entendida a la manera de una interpretación subjetiva, nuestra asociación entre el trazo y el tráfico, también se podría entender del mismo modo. Es decir, como una interpretación subjetiva que, aun no siendo la de un sabio, nos llevaría a concluir que, en tanto que rastro de una acción, el trazo es el registro de un cuerpo actuando.
Por mucho que un trazo se entienda como el resultado de una acción que, a diferencia de un dibujo, responde a una cuestión mecánica, el hecho de que haya sido ejecutado por alguien le imprime una intención que, aunque sea distinta a la del dibujante, permite entender el trazo como el resultado de una decisión. La decisión, quizás, de actuar sobre la superficie de un papel , un cartón, una calle, una madera, un tubo, un cristal, una fotografía, un folio… etc.
Y entendemos la capacidad de decidir como algo humano. Muy humano. Nunca mecánico.
Todo ello nos lleva a pensar que si en el trazo o en el dibujo se halla implícita la existencia del hombre, mientras que en el dibujo nos habla de sus emociones, el trazo lo hace de una acción. Una acción que, como la de caminar, podría ser como consecuencia de un interés por el entorno, la decisión de registrar un movimiento o como aquello que, en algún lugar, pudiera permitir un diálogo entre la obra de Èlia Llach (Barcelona, 1976) y la de Ian Waelder (Madrid, 1993).
Unidos por la pasión de escudriñar la ciudad, observar lo que sucede, dejar constancia de lo imperceptible o enfrentarse a su conocimiento de modo activo -y, por lo tanto, actuando- entendemos las obras de Èlia Llach e Ian Waelder como registros de una acción en su aprehensión de la ciudad. Eso sí, desde perspectivas muy distintas.
La primera vez que supe de Ian fue a través de su muro de facebook. Además de su madurez como artista, lo que me interesó de su obra fue el modo de abordar el dibujo desde el trazo del patín con el que palpaba la ciudad, sorteaba sus obstáculos, se fijaba en lo que había de cotidiano, recuperaba lo efímero y señalaba que la experiencia contemporánea se dirimía en torno al fracaso. Y sin embargo siempre estaba de buen humor.
Se dice que una de las virtudes del patinador radica en su capacidad de repetir un truco hasta bordarlo con éxito. Y que en su búsqueda hacia esta meta son innúmeras las veces que cae, se rompe, desespera y casi abandona. Pero el instinto de superación hace que siga luchando por conseguir sus objetivos. Resistiéndose. Resistiendo. Mostrando residuos como quien realiza un dibujo.
La primera vez que supe algo de Èlia fue en el marco de una de esas bienales cuyo sentido sigue teniendo vigencia por cuanto que muestran esa (otra) cara desde la que (también) se observa el arte. Eso sí: más allá de Barcelona. Un territorio tan alejado como necesario en el que, además de confrontarnos con las inquietudes de contextos poco frecuentados, se nos depara el acceso a la obra de artistas de los que apenas se tienen noticias. En este caso y en lo que a mí respecta, a la obra de Èlia Llach.
Debo confesar que, de sus dibujos, me sorprendió casi todo. Pero si algo debiera señalar hablaría del modo en que, en su empeño por conseguir lo que se le resistía -¡quién sabe!, quizás una imagen- la artista insistía en la idea de hacer un dibujo repitiendo el rastro de su mano sobre superficies de todo tipo y bajo el influjo de la orientación, la gravedad, el azar, el impulso, la cadencia, la entonación, la resonancia, la expansión, el extrañamiento, en suma, su cuerpo. El mismo que camina. Ese cuerpo de cuyo trazo deja constancia en un políptico de paseos realizados por su ciudad y sin pensar hasta dónde llegaría.
Tráfico, trazo y acción pero también silencio, dibujo y música son conceptos que, bajo el ruido del silencio, podrían unir las obras de dos artistas que, como Ian y Èlia, se refieren al acto de caminar como generador de pensamiento. Aunque también como consecuencia de su interés por el entorno. Pero sobre todo, como el registro de un movimiento a partir de un principio de inercia, impulso o propagación que oscila como un temblor bien sea a pie, en el caso de Èlia, bien sea en patín, en el caso de Ian.
Un temblor. O un ruido. Como el rastro del acto de caminar. Según Roland Barthes, el gesto mitológicamente más trivial y, por lo tanto, más humano.
Frederic Montornés
Vista general de parte de la exposición.
(Esculturas y vinilo de Ian Waelder)
Fotografía de Roberto Ruiz
Vista general de parte de la exposición.
Fotografía de Roberto Ruiz
Bolígrafo sobre papel 1'90 x 1'40 m c/u
Fotografía de Roberto Ruiz
Cos de prova/ Cuerpo de prueba.
Tinta sobre paper / Tinta china sobre papel / Ink on paper
Walking Drawing. Detalle.
Políptico. Bolígrafo sobre papel
Fotografía de Irene Pedrico
Walking Drawing. Políptic/ Políptico / Polyptych
Bolígraf sobre paper/ Bolígrafo sobre papel / Pen on paper
3m x 0'15 m
Fotografía de Fredric Montornés
Notation. (Fragment/Fragmento)
Políptic/Políptico/Polypthyc.
Tinta sobre paper/Tinta sobre papel/Ink on paper
Notation. (Fragment/Fragmento)
Políptic/Políptico/Polypthyc.
Tinta sobre paper/Tinta sobre papel/Ink on paper
WALKING DRAWING
2013-2015
Werner Herzog caminó desde Munich a París para ver a Lotte Eisner, quien enferma estaba a punto de morir. Con la firme creencia que ella continuaría con vida si él iba a pie, caminó durante dos meses en pleno invierno. Con el cuerpo llevado al límite, Herzog atravesó ciudades, campos desolados y perdió el rumbo. Del frío a la soledad extrema, cruzó un paisaje geográfico y mental que sólo la duda de si ella continuaría con vida lo mantendría en movimiento.
No te preguntes qué es aquello que estás viendo y cambia el verbo por aquello que sucede. Reencuentra el tiempo y el espacio ocasionados por el contacto del trazo que se debe al estremecimiento del instante y que consiste en existir. Abrirse paso cuando ya cercanos al punto de deriva retomamos el impulso con mayor intensidad. La mano, el cuerpo: la trayectoria del gesto y del aliento que se prolonga.
Nadie permanece mucho tiempo ante una imagen detenida. Las líneas de errancia arriesgan una improvisación. Sostener un mismo trazo y devenir, trazándose en su entonación y resonancia, en su expansión y entrañamiento. Volver al cuerpo y a la mano que traza, como aquella voz que canta para acumular fuerzas ante el miedo. El canto del pájaro: la paz recobrada al término del trayecto.*
Cuando Werner Herzog llegó a París, Lotte Eisner le esperaba.
*Chantal Maillard. El pájaro. Variaciones sobre poesía y pensamiento
Polypthic
Pen on paper 10 x 15 cm c/u
Detail.
LLANÇA EL BUIT ENFORA DELS TEUS BRAÇOS
Arroja el vacío de tus brazos
2014-2015
Bolígraf sobre paper / Bolígrafo sobre papel/ Pen on paper
1'40 x 1'90 m
Bolígraf sobre paper / Bolígrafo sobre papel/ Pen on paper
1'40 x 1'90 m
FUNDACIÓ GUASCH CORANTY
CENTRE D'ART TECLA SALA DE L'HOSPITALET
2015
Llança el buit enfora del teus braços
Obra seleccionada al Premi Internacional de Pintura Fundació Guasch Coranty, 2015.
↠GUASCH CORANTY, 2015
Obra seleccionada al Premi Internacional de Pintura Fundació Guasch Coranty, 2015.
↠GUASCH CORANTY, 2015
Fotografía: Isabel Servera
Llança el buit enfora dels teus braços, 2014
Bolígraf sobre paper. 1'90 m x 1'40 m
Detall
LLANÇA EL BUIT ENFORA DELS TEUS BRAÇOS
Museu de Tortosa, Tarragona
2014
(Obra seleccionada al Premi de Pintura Francesc Gimeno)
Fui la piedra y fui el centro
y me arrojaron al mar
y al cabo de largo tiempo
mi centro vine a buscar.
Copla anónima
Llança el buit enfora dels teus braços, 2014
Bolígraf sobre paper 1'60 x 1'40 m
Fotografia de Sisco Batalla
Altres. Políptic 1 x 0.70 m c/u
Cuerpo de prueba, 2015
Tinta sobre paper/ Tinta sobre papel/ Ink on paper.
Políptic/ Políptico/ Polyptych.
Mida variable/ Variables measured.
2'10 x '40 m in photo
BIENNAL DE VALLS
Museu de Valls
Valls, Tarragona
2013
La respiració del traç
Obra seleccionada a la Biennal de Valls, 2013
Fotografia, Museu de Valls
LA RESPIRACIÓ DEL TRAÇ
Galeria Esther Montoriol, Barcelona
2013
La respiración del trazo
The Respiration of the Line
¿Qué realidad describir o construir? El acontecimiento, el preciso instante en que el pensamiento y el trazo se encuentran sobre el papel antes de ser mirada. Reemplazar el tiempo del ver por el de la respiración. Quizás sea esta una de las premisas del dibujo.
Orfeo descendió al
Hades para recuperar a Eurídice bajo la promesa de no volver hacia atrás los
ojos. Quizás suceda la obra en el momento en que Orfeo gira la
cabeza para encontrarla. Si, ansioso por verla, Orfeo hubiera escuchado la
respiración de Eurídice a su espalda, ella no hubiera muerto de nuevo.
El resto es escucha:
inspiración y expiración*
Èlia Llach
*En la traza. Pequeña zoología poemática. Chantal Maillard, 2008
FUNDACIÓ GUASCH CORANTY
CENTRE D'ART TECLA SALA DE L'HOSPITALET
2012
Obra seleccionada al Premi Internacional Fundació Guasch Coranty, 2012
Group exhibition.
Vista general
Tinta xina sobre paper, 2011
2 m x 1'50 m
I EN UN CLUC D'ULLS HAS CONQUERIT ELS CIMS
CAPELLA SANT ROC, VALLS
2011
Y en un abrir y cerrar de ojos has conquistado las cimas
And in a Blink of the Eyes You Have Conquered the Peaks
Dins del cicle "Catedrals a la Capella", comisariat per Joana Hurtado Matheu
↠I EN UN CLUC D'ULLS HAS CONQUERIT ELS CIMS
↠CAPELLA SANT ROC
Tinta xina sobre paper . 4'20 x 2'20 m
Foto: Marc Llibre Roig
http://capellasantroc.cat/?p=642&lang=ca
http://capellasantroc.cat/?p=664
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Detall
And in a Blink of the Eyes You Have Conquered the Peaks
Dins del cicle "Catedrals a la Capella", comisariat per Joana Hurtado Matheu
↠I EN UN CLUC D'ULLS HAS CONQUERIT ELS CIMS
↠CAPELLA SANT ROC
Foto: Marc Llibre Roig
http://capellasantroc.cat/?p=642&lang=ca
http://capellasantroc.cat/?p=664
On acaba
el que veiem?
A cop d’ull
no veiem res. El contrast de llum i la distància ens ho impedeixen. Afinem la
vista, avancem. I llavors, a poc a poc, anem descobrint que és un dibuix, que són
gotes, que pugen i es dispersen. I en un cluc d’ulls has conquerit els cims
apareix així, gradualment, com si sortíssim dels núvols del somieig. Una
revelació que va del somni al parpelleig i que és la conquesta del vers de J.
V. Foix que dóna títol a la mostra. Pujar muntanyes amb els ulls tancats vol
dir avançar sense un objectiu fix, per això l’Èlia Llach no confia al llapis el
destí del seu canell. Com el bastó del cec, el llapis és la pròtesi que orienta
al dibuixant i l’escriptor sobre el paper, una extensió dels seus dits que l’ha
de guiar davant del buit de la pàgina en blanc. Sense llapis no hi ha contacte,
no hi ha orientació. Com aquí, que la construcció del dibuix es fa en caiguda
lliure.
Això és
el que suposa deixar de pintar per dibuixar. Suspendre el rastre d’un mateix,
del jo que signa. Abandonar el control absolut per deixar que el dibuix es faci, que
segueixi el seu curs, al seu aire. Permetre l’incís lliure de cada línia, que avança
sense saber cap a on ha d’anar, que està perduda i cau en el vertigen del
paper, com hem caigut en picat tantes vegades sense moure’ns del llit, fins que, de sobte, la seva
(in)determinació es veu interrompuda per una expiració. Però aquí les gotes cauen, no s’ofeguen. La línia
és cega i l’Èlia, com a molt, l’empeny. La deixa sola, sense indicacions, sense fixar per endavant la
seva trajectòria, i quan, de tant en tant, hi intervé, la seva bufada dibuixa amb el rastre de les gotes
una partitura que s’anima de cop. Si el sentit no ve donat d’entrada, cada línia dirà la següent, i
en aquest avançar el dibuix es busca mentre es fa. Com la música. D’aquí que floti, àgil, lleuger,
malgrat l’energia dipositada en la composició, malgrat el relleu i el pes del
paper que ha marcat amb la seva
porositat el final de cada gota. Perquè l’artista alena, no executa, deixant que digui la línia on i
quan voldrà morir.
Com el
ritme en les paraules pel poeta, com el fluir simfònic de l’orquestra, l’Èlia
Llach dirigeix les gotes perquè ocupin el seu espai en una escenografia única: un tríptic
concebut per ser penjat a l’altar de la Capella. La precisió minuciosa de l’artista no es
troba, doncs, en la inscripció del traç, sinó en el gest d’originar i enfilar la cadència
d’aquest vers que és la línia del dibuix. Un gest que acaba quan l’Èlia capgira
el tríptic, i amb ell la direcció de les gotes, fent que el cim d’aquest cluc quedi en suspens.
La
verticalitat “és una promesa, quelcom transcendent, una narració” escriu
Rosalind Krauss sobre la mirada de l’espectador davant del quadre. Potser per això hi
podem veure referents figuratius, ja siguin naturals o religiosos. Des de l’Ascensió
de la Verge fins a les flames d’una fúria incandescent. De Jan Van Eyck a Bill
Viola. Perquè en la seva quietud hi ha moviment. Empeses per l’alè de l’artista, les gotes es ramifiquen,
mentre el degoteig, invertit, s’eleva ingràvid en una precipitació ascendent. Construcció
visible i invisible alhora, tan imperceptible o inabastable com les catedrals
que no podrà veure mai el cec de Carver, el dibuix, com l’escriptura,
esbossa un recorregut que és real i imaginari al mateix temps.
Joana
Hurtado Matheu
J. V. Foix, Sol i de dol, dins Obra poètica en vers i en prosa, Barcelona, Edicions 62, 2000, p. 89.
Rosalind Krauss, The Optical Unconscious, The MIT Press, Boston MA, 1994, p. 243.
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